HAGENAUER (d’après), paire de statuettes porteuses d’eau, « femme girafe »
Bronze à double patine noire et dorée
Dimensions : 45 cm
Paire de bronze représentant une africaine portant de l’eau. La femme présente un corps stylisé aux proportions élancées dégangeant une grande élégance. Les membres sont allongés, le dos courbé pour laisser apparaître et mettre en valeur les attributs féminins. Un léger mouvement se dessine dans les jambes, évitant l’effet statique et animant la figure. Les traits du visage sont stylisés et simplifiés. Le corps est en bronze à patine noire, sombre, ce qui met en valeur la ligne et les courbes. Seuls les bijoux de cuisse, de cou, boucles d’oreilles et vase sont dorés ce qui relève les courbes et met en valeur le corps.
Cette paire est caractéristique du style de Karl Hagenauer (1898-1956), un célèbre designer autrichien, spécialisé dans la production d’objets en métal et en bois, reconnu pour ses œuvres modernes et stylisées. Ce modèle date des années 1970, où de nombreuses rééditions des classiques de Hagenauer ont été réalisées. Nous présentons également dans notre galerie un bronze grandeur nature du même modèle.
Stunning pair of African lady carrying water, in the style of Karl Hagenauer 1970’s,
Bronze with double black and gilt patina,
Dimensions : 45 cm / 17.72 inches
Stunning pair of African women carrying water. The woman's body is stylized with elegant elongated proportions. Her limbs are elongated, her back curved, emphasizing her feminine attributes. The legs are in motion, adding dynamism to the sculpture. Her facial features are simplified. The body is cast in black bronze, which enhances the curves and lines. Only the jewelry is gilded, further accentuating the body.
This pair is in the typical style of Karl Hagenauer (1898-1956), a renowned Austrian designer specialized in wood and metalwork, famous for his stylized and modern figures. We also feature in our gallery a life-size bronze of the same model.
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HAGENAUER (d’après), grande porteuse d’eau, « femme girafe » Bronze à double patine noire et dorée percée pour électrification, Années 1970 Dimensions : 163.5 cm Bronze grandeur nature d’une femme africaine portant de l’eau. La femme présente un corps stylisé aux proportions élancées dégangeant une grande élégance. Les membres sont allongés, le dos courbé pour laisser apparaître et mettre en valeur les attributs féminins. Un léger mouvement se dessine dans les jambes, évitant l’effet statique et animant la figure. Les traits du visage sont stylisés et simplifiés. Le corps est en bronze à patine noire, sombre, ce qui met en valeur la ligne et les courbes. Seuls les bijoux de cuisse, de cou, boucles d’oreilles et vase sont dorés ce qui relève les courbes et met en valeur le corps. Cette œuvre est caractéristique du style de Karl Hagenauer (1898-1956), un célèbre designer autrichien, spécialisé dans la production d’objets en métal et en bois, reconnu pour ses œuvres modernes et stylisées. Ce modèle date des années 1970, où de nombreuses rééditions des classiques de Hagenauer ont été réalisées. Nous présentons également dans notre galerie une paire de statuettes en bronze du même modèle mais en format plus réduit.
Stunning Bronze of an African lady carrying water, in the style of Karl Hagenauer (1898-1956), 1970’s, Bronze with double black and gilt patina, pierced for electrification Dimensions : 163.5 cm / 64,37 inches Stunning life-size bronze sculpture of an African woman carrying water. The woman's body is stylized with elegant elongated proportions. Her limbs are elongated, her back curved, emphasizing her feminine attributes. The legs are in motion, adding dynamism to the sculpture. Her facial features are simplified. The body is cast in black bronze, which enhances the curves and lines. Only the jewelry is gilded, further accentuating the body. This sculpture is in the typical style of Karl Hagenauer (1898-1956), a renowned Austrian designer specialized in wood and metalwork, famous for his stylized and modern figures. We also feature in our gallery a pair of smaller bronze statuettes of the same model. -
Les Sénoufos vivent entre le sud du Mali, le sud du Burkina Faso et le nord de la Côte d'Ivoire. Ils se structurent autour du poro, un système initiatique masculin où les jeunes garçons apprennent leur rôle social et religieux dans des bois sacrés, loin du village. Les initiations peuvent durer jusqu'à vingt et un ans, et les objets rituels sont sculptés par des artisans spécialisés.
Le masque Kpélié est utilisé lors des rites d'initiation, des funérailles et des récoltes. L'interprétation de ces masques varie. Certains chercheurs estiment qu'ils évoquent la peur lors des initiations, tandis que d'autres y voient un lien spirituel, symbolisant la précarité de la condition humaine. Les masques peuvent également comporter des éléments métalliques, une caractéristique partagée avec les masques Bamana et Marka.- Bois recouvert de plaques de cuivre
- Circa 1950
- Dimensions : H : 36.5 cm L : 14.5 cm
- Wood covered with copper plates
- Circa 1950
- Dimensions : H : 36.5 cm L : 14.5 cm/H : 14.17 in L : 5.51 in
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Le masque Ntomo est utilisé lors des rituels d’initiation des jeunes dans les sociétés Bamana d’Afrique de l’Ouest. Il est reconnaissable par sa partie supérieure en forme de peigne avec trois à huit cornes, symbolisant le genre du masque. Les masques avec trois ou six cornes sont masculins, quatre ou huit cornes sont féminins, et deux, cinq ou sept cornes sont androgynes. Confectionnés par les forgerons, seuls capables de manipuler le bois chargé d'énergie spirituelle, ces masques font partie de cérémonies incluant costumes et fouets, représentant des figures mythiques et spirituelles. Ce masque est féminin.- Population Bamana, Mali
- Masque à peigne à quatre dents, bois recouvert de cauris, patine ancienne.
- Dimensions : H : 52 cm L : 14.5 cm
- Bamana Population, Mali.
- Wood and cowrie shells.
- Dimensions: H : 52 cm L : 14.5 cm / H : 20.48 in 5.5 in
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Le masque Ntomo est utilisé lors des rituels d'initiation des jeunes en Afrique de l'Ouest. Il est identifiable par ses cornes, allant de trois à huit. Les Bamana, également appelés Bambara, vivent au Mali, en Guinée et en Côte d'Ivoire, partageant une langue et des traditions communes. Ces rituels, réservés aux jeunes de 6 à 13 ans, sont dirigés par des forgerons, seuls capables de sculpter ces masques sacrés en raison de leur maîtrise du "nyama", une énergie spirituelle dangereuse. Chaque masque est créé sous la guidance d'un djinn, et les cornes symbolisent son genre : trois ou six cornes pour un masque masculin, quatre ou huit pour un féminin, et deux, cinq ou sept pour un masque androgyne. Le masque présenté ici, avec sept cornes, est androgyne, l'autre masque qu'on a, avec quatre, est féminin.- Masque de la région de Ségou
- Sept dents
- Bois rehaussé de cauris, circa 1930-1940
- Dimensions : H : 61.5 cm
The Ntomo mask is used during initiation rituals in West Africa. It is identifiable by its horns, which range from three to eight. The Bamana, also known as the Bambara, live in Mali, Guinea, and Côte d'Ivoire, sharing a common language and traditions. These rituals, reserved for adolescents aged 6 to 13, are led by blacksmiths, the only ones capable of carving these sacred masks due to their mastery of "nyama," a dangerous spiritual energy. Each mask is created under the guidance of a djinn, and the horns symbolize its gender: three or six horns for a male mask, four or eight for a female, and two, five, or seven for an androgynous mask. The mask presented here, with seven horns, is androgynous, while the other mask we have, with four horns, is female.- Ségou region, Mali.
- Wood, cowrie shells, reptile skin.
- Dimensions: H : 61.5 cm / H : 24.02 inches.
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Henri Pfeiffer intègre le Bauhaus à l’âge de 17 ans, où il devient élève de Paul Klee. Il réalise de nombreuses œuvres abstraites avec une vision renouvelée de l’utilisation et de la perception des couleurs. Dès son plus jeune âge, Pfeiffer étudie intensivement la chimie des pigments sous la direction de son oncle. En 1933, lorsque le Bauhaus est interdit, il est arrêté par la Gestapo mais parvient à être libéré grâce à l’intervention de ses parents. Par la suite, il abandonne la peinture mais conserve une passion profonde pour les couleurs, devenant un ophtalmologue renommé, spécialisé dans la perception des couleurs. Après s’être installé en France, Pfeiffer écrit un livre sur le sujet dans les années 1950. Son parcours, de peintre avant-gardiste à scientifique obsédé toute sa vie par la compréhension de la perception des couleurs, est remarquable. Il suit les principes éthiques et philosophiques du Bauhaus, qui prônaient l’intégration de l’art, de la science et de l’industrie.- Aquarelle sur papier.
- Monogrammé et daté en bas à droite.
- Accompagné d'un message manuscrit au dos écrit par Pfeiffer lui-même : «Cette aquarelle signée HP 31 est originale de mon époque Bauhaus», signé «Henri Pfeiffer».
Henri Pfeiffer joined the Bauhaus at the age of 17, where he became a student of Paul Klee. He created numerous abstract works with a renewed vision of color use and perception. From a young age, Pfeiffer studied the chemistry of pigments intensively under the guidance of his uncle. In 1933, when the Bauhaus was banned, he was arrested by the Gestapo but was successfully released thanks to the intervention of his parents. After this, he abandoned painting but remained deeply passionate about color, eventually becoming a renowned ophthalmologist specializing in color perception. After moving to France, Pfeiffer wrote a book on the subject in the 1950s. His journey, from avant-garde painter to scientist with a lifelong obsession with color perception, is a remarkable story. It is in line with the ethical and philosophical principles of Bauhaus, which emphasized the integration of art, science, and industry.- Watercolor on paper.
- Monogrammed and dated at bottom right.
- Accompanied by a handwritten message on the back written by Pfeiffer himself: " This watercolor signed HP 31 is original from my Bauhaus period," signed "Henri Pfeiffer".
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Fabuleuse paire de bougeoirs en cristal Baccarat à quatre bras de lumière, créée par Jacques Adnet. Jacques Adnet est un architecte et créateur français, qui a débuté sa carrière au sein d’un des premiers ateliers d’art moderne, La Maîtrise dirigé par Maurice Dufrêne. En 1928, Jacques Adnet se retrouve à la tête de la Compagnie des Arts Français et travaille avec de nombreux artistes comme Picasso, Dunand ou encore Perriand. Grâce à ses œuvres aux motifs épurés, simples, aux matériaux nouveaux comme le verre et le métal, il est considéré comme un des principaux représentants du modernisme et de l’Art Déco français. Baccarat est née d'une association d’artisans de l’Est de la France, qui parvient en 1764 à créer un verre d’une grande qualité, puis en 1816, à développer un cristal d’une pureté inégalée. Baccarat a dès lors acquis sa réputation de créateur de luxe, l’entreprise a notamment fourni du mobilier aux Maharaja des Indes, a créé des candélabres pour Nicolas II de Russie, ou encore de nombreuses pièces pour les appartements de Napoléon III au Louvre. Les plus grands artistes ont travaillé avec Baccarat, comme Salvador Dali, Philippe Starck ou encore Jacques Adnet. Cette paire de bougeoirs est le fruit d'une collaboration entre Adnet et Baccarat, modèle créé en 1935. Il présente une base cylindrique, un fut ornementé d’une boule de cristal et quatre bras de lumière. Les lignes sont épurées, simplifiées témoignant d’une grande modernité. Les créations de Jacques Adnet sont reconnaissables grâce à l’alliage du bronze doré et de la boule de cristal Baccarat que l’on connaît également dans ses lampes de table. Cette paire est signée sous chacune des bases du cachet “Baccarat” et numérotée 7957. Dimensions : H. 13cm D. 22cm Pour découvrir Jacques Adnet, cliquez ici
Fabulous pair of Baccarat crystal candelabras with four light arms, created by Jacques Adnet. Jacques Adnet, a French architect and designer, began his career at one of the first modern art workshops, La Maîtrise, directed by Maurice Dufrêne. In 1928, Jacques Adnet found himself at the helm of the Compagnie des Arts Français, collaborating with numerous artists such as Picasso, Dunand, and Perriand. Thanks to his works featuring clean, simple patterns and the use of new materials like glass and metal, he is considered one of the main representatives of French modernism and Art Deco. Baccarat originated from an association of artisans in Eastern France, achieving the creation of high-quality glass in 1764 and developing unparalleled crystal purity in 1816. Baccarat gained a reputation for luxury creations, supplying furniture to the Maharajas of India, crafting candelabras for Nicholas II of Russia, and creating numerous pieces for Napoleon III's apartments at the Louvre. Prominent artists such as Salvador Dali, Philippe Starck, and Jacques Adnet have collaborated with Baccarat. This pair of candlesticks is the result of collaboration between Adnet and Baccarat, with the model created in 1935. It features a cylindrical base, a stem ornamented with a Baccarat crystal ball, and four light arms. The lines are clean and simplified, showcasing a great sense of modernity. Jacques Adnet's creations are recognizable through the combination of gilded bronze and Baccarat crystal balls, as seen in his table lamps. This pair is signed under each base with the "Baccarat" stamp and numbered 7957. Dimensions : H. 13cm D. 22cm For more informations about Jacques Adnet, please click here -
André Margat est un artiste français largement connu pour ses représentations d'animaux. Il est membre du « Groupe des Douze », une association d'artistes créée en 1932 dans le but de présenter l'art animalier français lors d'expositions et d'honorer un artiste chaque année. • Laque polychrome avec un fond doré. • Signé et daté « 1942 » en bas à droite. • Accompagné d'un cadre en ébène Macassar. Dimensions : H : 50 cm L : 100 cm (sans cadre) H : 80 cm L : 130 cm (avec cadre) Pour découvrir plus sur André Margat, cliquez ici
André Margat is a French artist widely known for his representations of animals. He is a member of the « Groupe des Douze », an association of artists created in 1932 with the aim of presenting French animal art in exhibitions and honoring an artist each year.- Polychrome lacquer with a gold background.
- Signed and dated « 1942 » at the bottom right.
- Accompanied by a Macassar ebony frame.
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Serge Tchekhonine était un artiste russe qui a étudié le dessin appliqué, la céramique et la poterie à Saint-Pétersbourg. Il s'est installé en France en 1928, attirant l'attention pour ses céramiques finement travaillées, ainsi que pour ses portraits et miniatures. « Son travail est extrêmement varié. Il rappelle ces artistes de la Renaissance qui abordaien des domaines d'art aussi divers avec la même maîtrise et perfection », rapportait le quotidien « L’Homme Libre » le 11 juin 1929, après sa première exposition personnelle. Cette œuvre est un projet de couverture pour les Ballets Russes de Vera Nemtchinova au Théâtre des Champs-Élysées en 1930. L'artiste faisait partie de la communauté russe à Paris dans les années 1930, évoquant Léon Bakst. Ce projet est l'une des plusieurs versions qu'il a produites. • Encre brune, aquarelle et gouache sur papier. • L'œuvre est signée en bas à gauche. Dimensions : H : 38,5 cm L : 28 cm (sans cadre) H : 57 cm L : 46 cm (avec cadre) H : 15,16 in L : 11,02 in (sans cadre) H : 22,44 in L : 18,11 in (avec cadre) ------------------------------------------------- Sergey Chekhonin was a Russian artist who studied applied drawing, ceramics, and pottery in St. Petersburg. He settled in France in 1928, gaining attention for his finely crafted ceramics, as well as for his portraits and miniatures. « His work is extremely varied. It recalls those Renaissance artists who approached the most diverse domains of art with the same mastery and perfection », reported the daily newspaper « L’Homme Libre » on June 11, 1929, after his solo exhibition. This artwork is a cover project for the Ballets Russes of Vera Nemtchinova at the Théâtre des Champs-Elysées in 1930. The artist was part of the Russian community in Paris in the 1930s, reminiscent of Léon Bakst. This project is one of several versions he produced.- Brown ink, watercolor and gouache on paper.
- The artwork is signed at bottom left.
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Paul Jouve était un illustrateur et sculpteur français, passionné depuis son plus jeune âge par les animaux qu’il découvrait au Muséum d’Histoire Naturelle et dans les zoos parisiens. Il est le plus célèbre peintre animalier de la période Art Déco. En 1931, Paul Jouve embarque depuis Bordeaux pour l’Afrique. Il se rend à Dakar, puis entreprend un périple à travers le Sénégal, le Soudan, le Niger et le Dahomey. C’est au cours de ce voyage qu’il réalise de nombreux dessins et peintures de méharistes et de Touaregs. Ce dessin provient de ce voyage. De retour en France, il crée de nombreuses lithographies et compositions inspirées de ses notes et croquis de voyage. Les peintures et dessins originaux de Paul Jouve sont rares et très recherchés.- Dessin réalisé sur papier (le crayon, l’encre de chine et la gouache).
- Vendu avec un certificat d'authenticité par Dominique Suisse.
- Signé en bas à droite.
- Vers 1931.
Paul Jouve was a French illustrator and sculptor, passionate about animals from a young age, which he discovered at the Natural History Museum and in Parisian zoos. He is the most famous animal painter of the Art Deco period.Dimensions H : 30cm L : 22.5cm/H : 11.8 in L : 8.9 in To learn more about the artist, click here. -
Léa Lafugie est une peintre française née à Paris, connue pour ses portraits et paysages issus de ses voyages. Elle étudie à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris, puis à l’Académie des Beaux-Arts et commence sa carrière en exposant au Salon des Artistes Indépendants. Passionnée depuis son plus jeune âge par les récits de voyages et d’aventures,elle décide de partir dès 1924 en Afrique du Nord, puis en 1925 en Asie. Elle séjourne en Inde, en Birmanie, au Tibet, puis dans la péninsule indochinoise et en extrême Orient. Durant ces voyages, elle ne cesse de peindre et de représenter ce qu’elle découvre et les personnes qu’elle rencontre. Ce portrait a été réalisé lors d’un voyage au Cambodge, il représente une jeune fille concentrée sur son ouvrage. De ce portrait émane une grande douceur et sérénité.- Cette huile sur panneau de bois qui provient de la célèbre collection Jean-Paul Gérard-Pau, signée en bas à gauche.
- Datation : entre 1925-1930, les dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie.
- Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm
- Dating: between 1925-1930, the period when Léa Lafugie traveled to Asia.
- This oil on board comes from the renowned collection of Jean-Paul Gérard-Pau. Signed Lafugie.
- Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm / H : 13 L : 9.25 inches
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Ce tableau nommé Nina, présente dans un intérieur une jeune femme posant. L’artiste réalise ici, une de ses spécialités, qui lui a valu les louanges des critiques, un nu féminin. Ce tableau démontre la virtuosité de l’artiste dans l’art du raccourci déjà souligné par ses contemporains, mais aussi son étude approfondie de la représentation des corps. Cette scène est caractéristique du travail de Yasushi Tanaka. On y retrouve les influences des grands classiques de l’art occidental qu’il connaît bien, mais aussi une atmosphère orientalisante. Ce goût pour l’Orient est marqué par le paravent en arrière-plan et par la richesse des tissus et drapés colorés éminemment décoratifs. Le cadrage de la scène est resserré, le fond est obstrué par le paravent qui empêche une ouverture de l'arrière-plan et confère à la scène un caractère intime et personnel. Nina vient poser son regard sur le nôtre, ce qui apporte un lien privilégié avec le spectateur. Cette œuvre a été réalisée en 1928, et elle a été présentée au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts entre le 28 avril et le 10 juin 1928. Ce tableau présente quelques craquelures, mais est dans un bon état général. C’est une huile sur toile d’origine, elle est signée en bas à droite et est titrée au dos. Dimensions : 97 x 130 cm Bibliographie : L’art et les artistes, Revue d’art de France et de l’Etranger, 1921, Novembre, (numéro 21), L’exposition Tanaka au Salon d’Automne Pour plus d'informations sur l'artiste, cliquez ici
The painting titled "Nina" depicts a young woman posing in an interior. In this work, the artist shows his specialty, a female nude, for which he received critical acclaim. The painting demonstrates the artist's virtuosity in the art of foreshortening, as praised by his contemporaries. This scene is characteristic of Yasushi Tanaka's work, featuring influences from Western art classics that he was familiar with, as well as an oriental atmosphere. The preference for the East is evident in the screen and the richness of the highly decorative fabrics and drapes. The scene is tightly framed, with the background closed by the screen giving the scene an intimate and personal character. Nina watches directly the viewer, creating a privileged connection with him. This artwork dates back 1928, it was displayed at the National Salon between 28th of April and 10th of June 1928. The painting shows some craquelure but is in overall good condition. It is an oil on the original canvas, signed at the bottom left, and titled on the back. Dimensions : 97 x 130 cm / 38 x 51.19 inches Bibliography: L'art et les artistes, Revue d'art de France et de l'étranger, 1921, November, (issue 21), The Tanaka Exhibition at the Salon d'Automne For more informations about the artist, please click here